MUESTRAS PASADAS

Pintura inhumana - Leila Tschopp

Muestra: Pintura inhumana  – Leila Tschopp

26 de marzo al 23 de junio 2024  (SALA 1)

Resulta posible contemplar la presente instalación de Leila Tschopp desde los diversos puntos cardinales activados en la sala: perspectivas múltiples que la artista ha inducido a través de sutiles mapeos con los que se propone orientarnos en el metraje, o por el contrario, marear y confundir nuestros sentidos. 

Una vez enfrentados a cada pieza como si nos encontráramos al pie de un imprevisto altar, cada pintura parece encarnar cierta forma de situación liminal, tan inesperada como esencial, tan accidental como imprescindible. Los humanos presentes en los cuadros, en todos los casos posesos por un estado de intenso caudal dramático, parecen estar ensayando alguna clase de punto ciego: asuntos del orden del desánimo y la finitud, de la desmesura o el espanto. Los humanos en las pinturas de Leila, se comportan como un elenco de actores a quienes la autora hubiera ungido para el emplazamiento de una suerte de testeo o ensayo psicofísico personal. Es posible casi escuchar las indicaciones que les ha dado antes de hacerlos entrar en el cuadro.

Las arquitecturas que rodean, albergan o protagonizan las pinturas -y que como en obras anteriores de la artista son dueñas de una modalidad polifacética capaz de migrar desde las paredes a los lienzos, o desde los lienzos hacia su presencia tridimensional,- empatan aquí con las emociones batientes: glorietas inconclusas, esquinas falsas y pasillos escorzados funcionan en las pinturas como cámaras de reverberancia que desde sus formaciones deshabitadas acrecientan el rigor existencial. 

Situada entre el rastreo diestro y preciso del agrimensor, y la hondura de la indagación metafísica, Leila Tschopp comanda los controles de su búsqueda mientras también se deja direccionar por ella. El punto de concurrencia que consigue entre los estados del alma y la escucha que ofrece a la materia, proveen a su práctica de una refinada y conmovedora fricción.

MARIANA OBERSZTERN (Curadora)

 

Cero punto - Andrés Ramírez Gaviria

Muestra: Cero punto  – Andrés Ramírez Gaviria

26 de marzo al 23 de junio 2024  (SALA 2)

Cada proyecto de Andrés Ramírez Gaviria propicia una visita reveladora a los universos que palpitan detrás de las convenciones. En ese territorio incierto el artista desencadena impresiones y reflexiones que permean las búsquedas estéticas con las de la ciencia, la filosofía, la mística, la tecnología, la comunicación, las diversas visiones de la historia, la programación, el lenguaje, la información y la traducción, entre otros asuntos. Estos son algunos de los campos que enriquecen y guían las investigaciones del artista, en tanto los cruces de sentido resultan fundamentales para aproximarse a su pensamiento. Es en ellos en donde se advierte la abarcadora complejidad de su mirada, así como la particularidad de sus opciones expresivas.

El trabajo que le da su nombre a esta exposición, 0., podría ser el que ha concentrado el mayor número de claves para leer estas dinámicas. Quizás por la misma razón 0. es la creación que más extensos desarrollos ha demandado en la trayectoria del artista. En cada desenvolvimiento de esta producción el artista ha ampliado consideraciones en relación con los asuntos que explora en ella, entre los cuales también se encuentran el tiempo, el espacio, los límites y los imaginarios, además de las estrategias de representación.

Esta versión de 0., al igual que las anteriores, registra una imagen estable que repentinamente colapsa a causa de un acontecimiento desconocido. En la magnitud de la catástrofe que éste impulsa desconciertan el silencio ceremonioso en el que sucede el evento, así como su magnética belleza. En cada recomposición de 0. son pocas las variables que se modifican, sin embargo, con escasas intervenciones el artista replantea la experiencia y así impulsa la conversación con la historia del arte, entre otros aspectos, hacia nuevas profundizaciones.

MARÍA A. IOVINO (Textos)

 

Vestigios de lo concreto - Jorge Miño

Muestra: Vestigios de lo concreto  – Jorge Miño

5 de diciembre 2023 al 10 de marzo 2024  (SALA 1)

Miño. En la permutación de soportes, materialidades y escalas que el propio lenguaje le imprime, el artista vislumbra el envés de lo concreto: la espacialidad y el vacío como territorio. Indaga así la apertura a un espacio originario, traslúcido de múltiples potencialidades, que como pieles de un ser, comienzan a develarse en un continuo sin fin, idea que también representará bajo el concepto de escalera.

La toma fotográfica y el laboratorio digital devienen caldo de cultivo para la generación de mutaciones visuales para abordar la luz como variable directriz en la percepción del espacio. Jorge Miño transpone así cierta lógica urbana a una poética generativa de espacialidad que ya no habla tanto del lugar a habitar por otros, sino de la arquitectura interior que esas construcciones hacen vibrar en el corazón, que como las placas lenticulares de sus últimas obras, nos presentan una percepción relativa a nuestro propio punto de encaje emocional.

La práctica artística de Jorge Miño bien podría ser una visualización de esas permutaciones que el arte contemporáneo realiza con los cánones profesionales del saber, transmutando la toma fotográfica en lienzo fotoquímico sobre el cual el artista pinta y dibuja su propia pulsión lúdica de vida, con la identitaria materialidad del siglo XXI que no es ni más ni menos que la singularidad virtual sobre lo digital.

PABLO LA PADULA (Textos) – JORGE MIÑO (Diseño de Curaduría)

EL ASEDIO DE LO REAL - Carlos Alonso

Muestra: EL ASEDIO DE LO REAL  – Fotografía en la obra de Carlos Alonso

5 de diciembre 2023 al 10 de marzo 2024 (SALA 2)

La invención de la fotografía obligó a la pintura a replantearse su dominio hasta entonces absoluto sobre la luz, el espacio y la figura humana, poniendo en cuestión su misma razón de ser como medio privilegiado de representación de lo real. A partir de 1839, año de invención del daguerrotipo, fotografía y pintura mantendrán una relación de intensa rivalidad, pero también tráficos y préstamos mutuos altamente fructíferos. 

En las diecisiete obras exhibidas en El asedio de lo real, Carlos Alonso recupera para la pintura la “transferencia de realidad” que la fotografía analógica había pretendido arrebatarle para siempre. Pero no solo eso. Captura determinados documentos fotográficos, los lleva al terreno de lo imaginario, los exhibe subsumidos en su obra, algunas veces en amalgama con otras imágenes de la tradición pictórica occidental. 

Trastocando tiempos, espacios e identidades, Alonso recarga determinadas imágenes de sentidos poderosos. Las fotografías pasan así a formar parte del sistema del artista, con sus alegorías urgentes, sus símbolos inasibles y su enorme poder de exhortación. Como resultado, viejas imágenes de lo real nos acechan e interpelan, reactualizadas para siempre por la potencia plástica de su proyecto creador.

ANDRÉS BUHAR – VIRGINIA CASTRO (Curadores)

La memoria de los materiales - Andrés Aizicovich, Donjo León, Diego Dubatti, Sergio Lamanna, Juan Sorrentino y Hernán Soriano

Muestra: La memoria de los materiales  – Andrés Aizicovich / Diego Dubatti / Sergio Lamanna / Donjo León / Hernán Soriano / Juan Sorrentino

22 de agosto al 12 de noviembre 2023

Evocando saberes decimonónicos o la imaginación técnica de la euforia modernista de la argentina del siglo pasado, las obras reunidas en esta exposición dan cuenta de una zona singular de la producción artística contemporánea. Los artistas convocados ponen especial atención en la recuperación de saberes transmitidos o redescubiertos, por asalto, en zonas descuidadas del conocimiento. Así se mezclan los estudios de Muybridge y las ciencias físicas con los fenómenos alquímicos. Y, si el recurso de apelar a las producciones artísticas del pasado lejano para interpelar a sus inmediatos antecesores ha sido una herramienta recurrente en la historia del arte, estas obras aparecen escapando a esa práctica para afirmarse en el pasado y adoptar como propios aquellos saberes. Hacen suyo y adoptan coletazos emergentes de lo viejo, lo raro, como escape de la norma. 

La rugosidad áspera o la caricia pulida del material están en las obras señalando la presencia constructiva de la mano. La curiosidad científica puede devenir en poéticos objetos inservibles. La presencia pétrea de un material y la seducción de la máquina se entrelazan así con un sonido, el lirismo poético de un pentagrama, la tosquedad de un fragmento o la levedad de una burbuja atestada de sentidos.

Inventores, arqueólogos, paraingenieros, alquimistas, científicos, músicos/ performers (quizás todo a la vez), en la época de las imágenes y el estallido de la IA, las obras de estos artistas parecen manipular un tiempo que necesita ser prensado para ser pensado.

MARÍA TERESA CONSTANTIN – GABRIELA VICENTE IRRAZÁBAL (Curadoras)

Última Arquitectura - Florencia Levy

Muestra: Última Arquitectura – Florencia Levy

11 de abril al 30 de julio 2023

TODA VIRTUALIDAD ES GEOLÓGICA Y POLÍTICA. Todxs tenemos un pedazo de China en el bolsillo. Son las llamadas «tierras raras»: minerales con que se fabrican las pantallas y baterías de nuestros teléfonos celulares, y que se extraen en su gran mayoría del complejo minero de Baotou, uno de los lugares más contaminados del mundo, cuyos residuos tóxicos han formado un enorme lago radiactivo que es visible desde el espacio. La fantasía de total inmaterialidad que inviste a las tecnologías contemporáneas precisamente suprime esta realidad contaminante que las hace posibles. Es, también, la fuerte asimetría entre la duración de estos artefactos (programados para ser desechados en poco más de un año) y la temporalidad de millones y millones de años de los efectos tóxicos de su producción, que seguirán contaminando la Tierra mucho tiempo después de que la humanidad y la vida planetaria perezcan. Son las dos caras de un disco que gira a toda velocidad en direcciones antagónicas (la inmediatez cibernética contra la edad cósmica de los minerales sobre los que reposa, la inmaterialidad digital frente a los desechos cancerígenos de su fabricación), aquella sustancia paradójica y asimétrica que el trabajo de Levy pone en discusión: que toda virtualidad es geológica y política, que la abstracción de la realidad a puros datos informáticos sólo es posible a costa de violencias ecocidas contra cuerpos y territorios. Última Arquitectura, justamente, pone en entredicho el carácter inmaterial y prístino de las mercancías tecnológicas que movilizan nuestra experiencia cotidiana, al dejar que emerja el archivo planetario de ruinas y destrucciones que las fabrica y que en su interior esconden.

MICHEL NIEVA (Textos) – FLORENCIA LEVY (Diseño de Curaduría)

Inauguración de la muestra Premios ArtHaus Artes Electrónicas (Edición 2022)

Inauguración de la muestra Premios ArtHaus Artes Electrónicas (Edición 2022)

2 de agosto al 3 de septiembre 2023

Jurado: Andrés Duprat (Director del MNBA), Mariana Marchesi (Directora Artística del MNBA), Jorge La Ferla (Investigador) y Anahí Cáceres (Artista visual, Docente de la Universidad Nacional de las Artes) y María Teresa Constantin (Directora Artes Visuales de ArtHaus)